渋谷・神南の路地裏に西山徹による新ブランド〈Buffer〉の旗艦店〈Buffer Store〉が誕生。

NIGO^®との対話で生まれたこのブランドは、1980～90年代のユースカルチャーをTシャツを通して次世代へ手渡す試み。どこかフィクショナルな店内は、西山が愛する「不思議の国のアリス」のムードが漂う。〈waltz〉のカセットや〈magnif〉の古雑誌も並び、立地も含め、カルチャーの世界へ迷い込むための場だ。

〈Buffer Store〉

東京都渋谷区神南1-13-12。11時～19時。

NIGO^®の半生を、約700点以上のコレクションとともに振り返る大規模個展がロンドン〈デザインミュージアム〉で開催中です！

チェッカーズのポスター、〈A BATHING APE^®〉の初期のTシャツ……総展示数700点を超えるアイテム数でNIGO^®にとって国外初となる大規模回顧展がロンドン、〈デザインミュージアム〉で幕を開けた。

「NIGO^®が膨大なコレクションを所有していることは以前から知っていましたが、実際に彼のアトリエを訪れ、それが単なるファッションの枠に収まるものではないと気づいたのです。また、私たちは “デザイン” を扱う美術館として、これまで数多くのデザイナーの展覧会を開催してきましたが、“クリエイティブディレクター” という役割そのものに焦点を当てる機会はほとんどありませんでした。その領域こそNIGO^®が卓越した才能を発揮してきた分野です」と展示を担当したキュレーターのエスメ・ホーズ。

クリエイティブディレクターにはどのようなスキルや創造性が求められるのか ── NIGO^®の30年にわたるキャリアを通して、その本質を探っていくことのできる展示だ。

「集めてきたものは美術品ではないから、美術館や博物館ではガラクタとして扱われるものがほとんどです。だから、“モノ” そのものへの理解があるデザインミュージアムでなければできなかった展示だと思います」とNIGO^®。展示を通して見て、「チェッカーズを聞いていた1980年代の青春を追いかけているのかもしれませんね」と自身を振り返る。裏原宿から世界へ、絶えることのない創造の源泉を探りに、足を運びたい。

『NIGO®：From Japan with Love』

〈DESIGN MUSEUM〉Kensington High St, London W8 6AG。～2026年10月4日。10時～17時（金～日は～18時）。一般17.00ポンド。展覧会限定のトートバッグやTシャツ等のグッズも販売。

NIGO®

ファッションデザイナー。2010年に〈HUMAN MADE〉を立ち上げ、現在は〈KENZO〉のアーティスティック・ディレクターも務める。2025年より、ファミリーマートのクリエイティブディレクターに就任。

〈アルペール〉から発表された、ジャン＝マリー・マッソーによるソファコレクション《アオム》。

リサイクルが難しいポリウレタンを使用せず、廃棄時の分別まで考慮した画期的な構造。軽量化を図り、汎用性とレイアウトの可能性を拡張。2027年春発売予定。

アルペール ジャパン carejpn@arper.com

前身の〈Adam/Albin〉でミシュラン1つ星を獲得したシェフ、アダム・ダールベリとアルビン・ウェスマンが、ファインダイニング〈ADAM ALBIN〉をオープン。

実力派二人の新たな挑戦として、注目を集めている。〈Acne Studios〉などの店舗デザインで知られるハレロードが手がけた店内は、端正でクラシカルな空間に1960年代の温かみを加えた、くつろげる雰囲気に仕上がっている。

〈ADAM ALBIN〉

Regeringsg. 2, Stockholm Sweden。コース3,000スウェーデンクローネ～。

フォルマファンタズマが〈FLOS〉のためにデザインした《SuperWire F》は、新開発の極細LEDフィラメントを用いたフロアランプ。

ガラスとアルミによるミニマルな構造の中に、光が浮遊するような軽やかさを実現。技術革新を静かな造形美へと昇華した、現代照明を象徴する一作。

FLOS JAPAN TEL 03 6421 0840

ロンドンを拠点とするデザイナー、マイケル・アナスタシアデス。照明、そして光の表現のトレンドを牽引するデザイナーであるアナスタシアデスの繊細で美しい光が、京都の古民家に浮かび上がります。

マイケル・アナスタシアデスは、現在のデザインシーンにおける最も重要なデザイナーの一人だ。幾何学的な形状、巧みに表情を引き出した素材からなる家具や照明は、しばしば彫刻的だと評される。アートとデザインのあいだに立つアナスタシアデスだが、自身はただクリエイティブに興味を持ち続けているだけで肩書きに興味はないという。

「私は自身の活動を『デザイン・プラクティス』と捉えています。つまりクリエイティブな実践であり、ギャラリーで発表する作品と製品のあいだに大きな違いはありません。ただ前者は制作途中で中断されたものといえます。制作が完了していないという意味ではなく、その完了した地点からふたたび別の形に発展させることができる作品なのです。今回の展示も昨年にアテネで行った展覧会の流れを受け継ぐもので、アイデアを練り続けている最中、あるいは実験プロセスの一環として、制作の途中で中断した状態を展示しています」

今回の展示でアナスタシアデスは、太陽が地平線に触れる瞬間から地平線の下へ消える瞬間までを捉えた。つまり夕焼けのイメージである。今回の来日では、初夏の日本の柔らかく優しい光を体験したと話す。同じ季節でもヨーロッパは光が強く、晩秋にならないと同じような光は体験できないとも指摘する。科学的、技術的に光を解釈することはできるが、地理的な違いが生み出す光を感覚的に捉えたいと、アナスタシアデスはいう。

「私たちが体験する光のほとんどは、自然を通して得られるものです。それはわずか一瞬で変わり、前の瞬間にあった光と同じ体験ではなくなる。そして私たちは、そのように自然がもたらすダイナミックで常に変化し続ける光を再現することはできません。だからこそ光を表現手段として扱うと、無限にある美しさの瞬間の一つしか捉えることしかできない。光は色からなるものですが、私たちは白しか知覚できません。かろうじて色を近くできるのは暖色系の色のみ。そこで私は日没の瞬間に焦点を当てようと決めたわけです」

アナスタシアデスがはじめて竹を用いた作品を発表したのは2021年。ミラノの歴史あるアート財団に招聘された展示でのことだ。以前から竹に興味があり、展示にあわせて着手しようといううちにコロナ禍が始まった。誰もが社会から隔絶された時期だったが、竹は自らの手で作業ができる素材だったことも功を奏した。「真っ直ぐに育つ天然素材」だから竹に魅了されたという。

自然環境で育つ竹はもちろんすべてが異なり、どのような成長を見せるかは予測できない。「ある意味で自然と交渉するように折り合いをつけることが重要でした。竹は伸び続け、高さも変われば、直径も変わる。だからこそとても興味深い」 とアナスタシアデスはいう。

「インターネットや本で多くの資料を調べてはいました。とはいえ、たとえば日本に行って竹細工の現場を見るようなことは叶いませんでした。だからこそ私自身の解釈で竹を直感的に捉えることができたのです。普段は金属のように形を整え、加工が容易な素材を扱います。それらは製造工程を通して、常に完璧な状態を形作ることができる。

「一方で竹に対して唯一可能なのは、ある程度の大きさに育った時点で伐採することに過ぎません。私は直径が30ミリほどに育ったところで伐採することを決めました。これも私が決めた数字というよりも電球の規格から自ずと導かれた寸法。そうして切り出した竹をどのように組み立てるかが課題となりました」

作品である照明は、すべてアナスタシアデスが生み出した手法をもとにスタジオのスタッフが手作業で制作したものだ。ミラノでの展示で「すべてを自分の手で作りたい」という気持ちが湧き、大きな転機になったという。滑らかにするために竹の節をわずかに削る。すると竹の内部が露呈するので色の違いが見え、痕跡が残る。日本の竹加工は常に素材を自然なままにしていることに、タカ・イシイギャラリーの石井孝之との会話のなかで気づいたと振り返る。

「私が竹の節を研磨したことにとても興味をもたれました。私は特に理由なく、その工程を選んでいたのです。参照している要素はいくつもありますが日本的なものとは限りません。電球を支える金属構造物を固定する独特な結びはアイスランドの漁師の結び方に倣ったものです。日本でも似たような結び方を使っているかはわかりませんが、釣り竿などに見られる『漁の表現』を取り入れたかったのです。一方で京都という土地性を踏まえ、普段とは少し異なるアプローチも行なっています」

「あくまで重要なのは作品と環境の関わり方」と話すアナスタシアデスはさらにイサム・ノグチへの尊敬にも触れる。

「ノグチの彫刻作品はもちろんですが、やはり照明、そして光との関わり方に大きな関心があります。その照明は日本や中国の古典的な提灯に着想を得ており、技法も取り入れたものです。そして物体をいかに繊細に支えるかという表現手法をノグチは洗練させています。私はまったく異なるアプローチで、今回の光の表現に取り組みました」

京都で展示を行うことも大きな意義の一つだと続ける。はじめて来日したのは1991年。学生時代、日本に強い興味をもっていた彼は東芝のインターンシップとして来日する。実際に生活をしながら、京都を体験したいと考えた。現在のように世界のどこにでも情報が行き届く時代ではなく、多くが驚きだった。だからこそその体験は特別であったと同時に、限られた時間で理解ができる街ではないとも気づいたと振り返る。その後、日本を訪れるのに20年の歳月を要した。しかし訪れるのは常に東京で、親しい友人に誘われてようやく一年半ほど前に京都を再訪した。その体験も展示に息づく。

「私の作品は体験されるためにあるので、日常的な文脈の中で作品を提示することを重視しています。ホワイトキューブのギャラリーで体験ができないという意味ではありませんが、人と作品の関係性や親密さという感覚が重要な要素です」

世界のどこでもなく、京都のためにつくられたアナスタシアデスの展示。街、歴史、そして光と対話したその表現を見逃すことなく、堪能してほしい。

『マイケル・アナスタシアデス「From Warm Yellow to Saturated Red」』

〈タカ・イシイギャラリー 京都〉京都府京都市下京区矢田町123。TEL 075 366 5101。2026年6月6日～7月4日。開廊は木、金、土。10時～17時30分。無料。

マイケル・アナスタシアデス

1967年キプロス共和国生まれ。ロンドンのインペリアル・カレッジ・ロンドンで土木工学を学んだのち、ロイヤル・カレッジ・オブ・アートでインダストリアル・デザインの修士号を取得。卒業後の1994年、ロンドンに自身のスタジオを設立。プロダクト、インテリア、環境デザインと幅広い分野で活躍する。

村上隆が歌川広重の「名所江戸百景」をオマージュしたシリーズを毎週末に紹介する連載【今日の名所江戸百景 by 村上隆】。西洋の画家たちに「認知革命」を引き起こした日本美術の衝撃を村上隆が読み解きます。

⚫︎ 深川萬年橋

細い縄でくくられた亀が宙吊りになっています。画面の上下と左に見えるのは亀を縛り付けてある手桶の持ち手と桶の部分です。その奥の直線で描かれた茶色い部分は〈萬年橋〉の欄干です。その向こうには帆かけ舟や船頭が操る筏が浮かぶ隅田川が、さらにその奥には富士山が見えます。亀はその下の富士山より大きく描かれます。手桶で切り取られた画面の中を〈萬年橋〉というフレームでさらに切り取る、広重らしい思い切った構図です。

当時の寺社仏閣では鳥や亀を捕まえて再び山河に返す「放生会（ほうじょうえ）」が盛んに行われていました。殺生を戒め、徳を積んでご利益を祈る行事です。萬年橋ではその名にあやかって万年生きるという亀が売られており、人々はそれを買って川に放っていました。面白いのはこうして放たれた亀をまた捕まえて売り、買った人がそれを放ち……というサイクルができていたこと。亀を買う人もそれを承知で買っていたようです。左の「廣重画」と書かれた短冊の上にいる村上隆のお花ちゃんとお猿はそんな亀を見上げているようにも感じられます。

この絵は小名木川が隅田川に合流するところにかけられた〈萬年橋〉の上から清洲橋の方を望むアングルです。現在、〈清洲橋〉がかかっているあたりには中洲の渡しがありました。亀は延命長寿のシンボルです。この絵を飾っておくと元気で長生きできるかもしれません。

《Hiroshige’s 100 Famous Views of Edo: Japonisme Reconsidered（広重名所江戸百景：ジャポニスム再考）》

2024年、〈ブルックリン美術館〉所蔵の歌川広重最晩年の作「名所江戸百景」（1856年〜58年）が24年ぶりに開帳されたことをきっかけに制作・展示された、村上隆によるオマージュ作品。その翌年に開かれた『JAPONISME→Cognitive Revolution: Learning from Hiroshige』展（2025年、Gagosian）では浮世絵に影響を受けたモネやゴッホなど印象派作品の模写も合わせて展示。『村上隆と村上ハウス』（2025年、マガジンハウス博）では「名所江戸百景」118点とゴッホの模写2点を写した計120点の版画作品が展示された。村上作品はジャポニスムの再考を試みるもの。ジャポニスムとは、1867年のパリ万博をきっかけに浮世絵をはじめとする日本美術がヨーロッパで一大ブームとなり、抽象芸術などその後の近現代美術の起点の一つとなったムーブメントだ。村上は日本美術の空間把握や構成が西洋の画家たちに「認知革命」を引き起こしたという。【今日の名所江戸百景 by 村上隆】ではその120点を毎週末に紹介していきます。

監修：太田梨紗子

おおた りさこ　日本美術史学研究者。神戸大学大学院博士課程在籍。専門分野は近世・近代京都画壇。特に伊藤若冲の版画研究。時代劇衣裳の研究も行う。2024年度〈京都市京セラ美術館〉の村上隆展の際に作家と知り合う。以後、〈クリーブランド美術館〉の個展など、展覧会作品制作の為のリサーチを務める。京都生まれ京都育ちで、葵祭第59代斎王代を担うなど京都の祭礼や伝統文化と縁深いが、東京のことは何も知らないため、広重研究で頑張って東京を学ぼうとしている。

関連記事：【村上隆が語り尽くす！】構図の天才・歌川広重がもたらした認知革命。スーパーフラットの前日譚をNYで見る。

英国・オックスフォード大学大学院で博士号を取得され、美術やデザインへの造詣が深い彬子女王殿下が、明治、大正、昭和初期に建てられたモダン建築をめぐる連載。その頃は西洋建築が輸入された時代であり、和風と洋風が折衷した独特な様式が魅力で、皇室ゆかりの施設も多く建てられています。そんなモダン建築について、彬子女王殿下ならではの視点で綴っていきます。 第11回は〈宇治山田郵便局舎〉。かつて伊勢の神宮外宮前に建てられた緑色の郵便局舎。円錐ドーム形の屋根、円形のカウンター、切手倉庫……。明治村に移築された最古級かつ最大の郵便局舎へ。

●人の思いを運び続ける、最古級かつ現役の木造郵便局舎。

切手をいつも持ち歩いている。なぜかと言えば、旅先から友人に絵葉書を送りたいからである。

立場上と言うべきか、仕事柄と言うべきか判然としないけれど、移動の多い生活をしている。大体月の三分の一は、東京でも京都でもないどこかにいる。定宿で「お帰りなさいませ」と迎えていただくと「ホーム」に戻った気持ちになるし、初めて泊まるホテルで目覚め、見覚えのない天井を見上げて「どこだ、ここは……」と混乱する朝も時々ある。旅は私にとって、日常でもあり、非日常でもあるのだと思う。

旅先でお土産物屋さんを見かけると、私はいつも絵葉書を探す。手紙離れどころか、文字を書く文化も薄れつつある昨今、絵葉書を置いているお店も少なくなっているけれど、住み慣れた場所から遠く離れた土地で、絵葉書を選び、誰かのことを思って手紙を書くというひとときが私はとても好きである。それは、非日常の中にある自分を見つめ、形にする時間であるからかもしれない。

SNSなどを通じて、不特定多数の世界中の人たちと瞬時につながることができる時代であるからこそ、特定の人に向けて一つ一つ文字を認め（したため）、個人情報である相手の住所を書いて切手を貼り、知らない街のポストに投函し、名も顔も知らない誰かに自分の思いを託して届けてもらう行為は、とても特別なことであるように感じている。日々パソコンやスマートフォンに蓄積されていく無数のメッセージは、機種変更をしたら忘れ去られてしまうことが多いと思うけれど、手紙は捨てない限り手元に何十年でも残るもの。旅先での自分の思いが瞬間冷凍されたように相手の元に届いて解凍される。ポストに絵葉書がことりと届くように、相手の心にもことりと、かすかな紙の重みと共に私の思いも届くだろうか。そんなことを思いながら、いつも旅先で絵葉書を探している。

手紙が通信手段の主流だったころ、それを運ぶ郵便局の人たちはどのように仕事と向き合っていたのだろうか。研究している近代の蒐集家や作家など、様々な人たちの交わした手紙などを調査することがよくあるけれど、驚くべき頻度で手紙のやりとりをしていることに目を見張るときがある。手紙に書かれた日付を見ていると、書いた手紙が速達でもないのに翌日相手の元に届き、届いた側から返事を書いてそのまま投函、その翌日には届いている、といったことが当たり前のようにある。現代のメールやチャットのやりとりと比べても遜色ないような頻度と熱量で、当時の人たちは手紙を送り合っている。住所も達筆すぎて読めなかったり、町名と宛名しか書いていなかったりするのに、きちんと当人の元に届いている。郵便局の人たちに課せられた任務は、相当に大きなものであったと思うのである。

明治村にある宇治山田郵便局舎は、明治42（1909）年に伊勢の神宮、外宮前の角地に建てられた木造平屋建ての建物。昭和44（1969）年に局舎の移転新築に伴い、明治村に移築されたが、今も日本郵政株式会社所有の木造としては最古級かつ現役の郵便局舎である。

「一生に一度はお伊勢参り」と言われ、交通手段が発達した現代でも多くの方たちがお参りされる神宮。宇治山田郵便局舎の入口を抜けると、円形の「公衆溜」と呼ばれるホールがあり、明るい光が降り注ぎ、それを囲うように窓口カウンターが配置されている。外宮をお参りされた数千万のうち何割の人たちが、この郵便局で伊勢の思い出を認めた絵葉書を投函したのだろう。V字形をした独特な郵便局舎が地域の心臓のように、全国へ無数の手紙を運んでいる姿が思い浮かんでしまう。

郵便局舎を支える東翼部の一番奥まったところに、切手倉庫がある。全体は木造だけれど、切手倉庫は煉瓦積みの壁を漆喰塗りにしてあり、波形の鉄板の上に砂を敷き、天井、鉄製の防火シャッターと防火戸、金網の窓など、耐火・防火・防犯を考えた作りになっている。切手倉庫の手前には、菊と唐草模様の通気口がついており、蓋を開閉することで、火災時に切手倉庫の類焼を防げる仕組みになっていたそうだ。たとえ庁舎が焼け落ちることがあったとしても、切手倉庫だけは守れるようにという強い思い。手帳に入れて何気なく持ち歩いている切手だけれど、お金と同等の価値があり、当時どれだけ大切にされていたかが実感できる。

西翼部は、郵便物の仕分け等の作業をする場所になっていたのだそうで、郵便物の発着口は荷台からそのまま荷物を下ろしやすい高さに設計されている。集配人の区分け室、宿直室、控室も隣接していて、当時はたくさんの人たちがにぎやかに言葉を交わしながらここで作業していたのだろう。この人たちが、書かれた住所と宛名だけを頼りに、手作業で行先を分類し、次の配達人に託し、たくさんの人の手を介しながら、たった一人の宛名の人に手紙を届けていたのだと思うと、頭の下がる思いがする。今も昔も、人の手によって全国津々浦々へ一枚一枚手紙は届けられている。手紙を受け取るとほっとするのは、人の思いを人が運ぶというあたたかさがあるからなのかもしれない。

残念だったのは、私が訪ねたとき宇治山田郵便局舎は営業時間外で、いつもの絵葉書が出せなかったこと。古くて新しい郵便局から、いつか手紙が出せますようにと願いながら、夕暮れ色に染まり始める緑色の建物を後にした。

宇治山田郵便局舎

1909年竣工。69年に明治村に移築。設計：白石圓治（逓信省技手）。〈博物館明治村〉愛知県犬山市内山1 TEL 0658 67 0314。9時30分～17時（季節により変動）。2,500円。公式サイト

彬子女王

あきこじょおう　1981年生まれ。学習院大学 卒業後、オックスフォード大学マートン・コレッジへ留学。2010年、博士号取得。人気エッセイのコミック版『マンガ 赤と青のガウン 第1巻』（漫画：池辺葵）発売中。

産声をあげたばかりの建築、美術館、展覧会など新しく生まれた空間を、手がけた建築家やデザイナー自身による言葉で、見どころを分かりやすく解説するムービーガイドツアー連載。第8回は、重要文化財・旧奈良監獄を舞台に誕生した〈奈良監獄ミュージアム by 星野リゾート〉。放射状に舎房が広がる「ハヴィランド・システム」が導入された歴史的な監獄建築を活用し、自由や規律、人間の尊厳について問いかける展示空間。「美しき監獄からの問いかけ」に込めたメッセージとは？ アートディレクションを手がけた佐藤卓が、この監獄と重ねてきた対話のプロセスについて語ります。

カーサが注目する、週末に注目のイベントをまとめてご紹介。始まったばかりの展覧会から会期終了間近の展覧会まで、チェックしてみましょう！

●【東京】『杉本博司　絶滅写真』（〜2026年9月13日）

もうすぐ絶滅してしまうかもしれない銀塩写真。杉本博司がキャリアの初期から手がけてきた、クラシックな技法による写真が一堂に並びます。杉本が「写真の信憑性」について考えてきたことが重なりあう個展です。

●【東京】『ピカソ meets ポール・スミス　遊び心の冒険へ』（〜2026年9月21日）

ファッションに限らず、アートや音楽にも幅広い好奇心を持つポール・スミス。彼が会場構成を手がけるピカソ展が〈国立新美術館〉で開かれている。ピカソ作品中のストライプを壁紙にしたり、特徴的な色を空間にちりばめたりといった遊び心あふれる展覧会だ。

●【神奈川】『モネ没後100年・開館25周年記念　あたらしい目 ― モネと21世紀のアート』（～2027年4月7日）

「睡蓮」の連作を始め《ジヴェルニーの積みわら》、《サン＝ラザール駅の線路》など19点ものモネ作品を所蔵する〈ポーラ美術館〉。国内屈指のコレクションが一堂に並ぶ展示が行われている。国内外の現代美術作品とあわせ、モネの先進性を検証する展覧会だ。

●【東京】『ロン・ミュエク』（～2026年9月23日）

巨大すぎる、あるいは小さすぎる人物像。オーストラリア出身のロン・ミュエクが作るオブジェは空間を震わせ、見る人の知覚を惑わせる。〈森美術館〉で開催中の個展は2008年に〈金沢21世紀美術館〉で個展が開催されて以来、日本では18年ぶりのもの。初期から近作まで11点が展示される。そのうち6点は日本初公開だ。

●【東京】『BLACK AND BLUE』（〜2026年6月22日）※会期中最後の週末！

〈strangers〉の高宮修平が手がける展覧会を開催。プロダクトを活かした大型インスタレーションアートと様々な形のフィジカルアートを展示。

●【東京】『エリック・カール展　はじまりは、はらぺこあおむし』（〜2026年7月26日）

2026年4月25日より、世界中で愛されている絵本『はらぺこあおむし』の作家であるエリック・カールの回顧展『エリック・カール展　はじまりは、はらぺこあおむし』が〈東京都現代美術館〉で開催。絵本作家としてだけではなく、デザイナーとしての側面にも光を当てた興味深い展覧会になりそうです。

●【東京】『ジャッド｜マーファ展』（～2026年7月14日）※会期延長

壁に直接同じ形の箱状の立体が縦一列に並べられた「スタック（積み重ね）」シリーズ。ドナルド・ジャッドと聞いて、多くの人がこの作品を思い浮かべるだろう。だが、ワタリウム美術館で始まった『ジャッド｜マーファ展』で彼の生涯を紐解くと、新たな一面が見えてくる。

●【東京】『“You made me leave home...』（～2026年9月13日）

表参道の〈エスパス ルイ・ヴィトン東京〉に出現した、ディアスポラ・アーティスト、リナ・バネルジーによる移住や植民地主義をテーマとした作品群には、明るいユーモアとポジティブな喜びがありました。

●【東京】『パラレル・チューンズ』（〜2026年7月12日）

いま注目される建築家の一人、山田紗子。その考えを知ることができる展覧会『パラレル・チューンズ』が開催中です。

●【大阪】『JEFF KOONS：PAINTINGS AND BANALITY - SELECTED WORKS FROM THE COLLECTION』（～2026年7月5日）

〈エスパス ルイ・ヴィトン大阪〉で開催中の、ジェフ・クーンズ『PAINTINGS AND BANALITY』展。1980年代からの作品の変遷を知る、またとない機会です。

●【京都】『若冲にトリハダ！　野菜もウリ！』（～2026年7月5日）

観光客で賑わう嵐山でも静かなエリアに位置する〈福田美術館〉。この美術館で2023年に “発見” された伊藤若冲の絵巻が修理後、初公開されます。ほかにも初めてお目見えする若冲作品が並ぶ、必見の展覧会です。

●【京都】『加守田章二とIM MEN』（〜2026年6月21日）※会期中最後の週末！

〈イッセイ ミヤケ〉の〈IM MEN〉による2026春夏コレクション「DANCING TEXTURE」の着想源となったのは、現代陶芸家・加守田章二の鮮烈な魅力を放つ作品群でした。6月21日まで〈京都国立近代美術館 1階ロビー〉にて特別展示されています。

●【ソウル】『INSIDE OTHER SPACES:ENVIRONMENTS BY WOMEN ARTISTS, 1956-76』（～2026年11月29日）

1950～70年代に活躍した世界各地の女性アーティストによる11点の没入型作品を展示。鑑賞者が作品の中に身を置いて体感できる。

●【フランス】『AVANT LES NYMPHÉAS. MONET DÉCOUVRE GIVERNY, 1883-1890（睡蓮の前にモネが見つけたジヴェルニー　1883年～1890年）』（〜2026年7月5日）

フランス北部のジヴェルニーは、モネが「睡蓮」のシリーズを生み出した地として知られているが、モネはジヴェルニーに移り住んですぐに睡蓮を描き始めたわけではなかった。この展覧会はジヴェルニーでの「睡蓮」以前の時代にスポットをあてるもの。「睡蓮」に至るまでモネが何を見ていたのかを知ることができる。

●【イタリア】『身体と物質のエスノグラフィー―加速社会における遅さと深さ』（〜2026年11月22日）